Die wundersame Geschichte des Künstlerzwillings deufert&plischke

Das Stück in den dortigen Uferstudios heißt „Niemandszeit“. Ein partizipatives Projekt, will heißen: Wer kommt, gehört dazu und bildet ein Ensemble. Und was für ein Ensemble: Meg Stuart, Christina Ciupke, Wanda Golonka, Helena Waldmann, Alain Franco – die ganz großen Namen der Szene. Zum Who is Who der Tanzkunst gesellen sich Festivalmacher (Florian Malzacher), Theaterleiter (Ludger Schnieder), Tanzpolitikerinnen (Madeline Ritter), Dramaturginnen (Bojana Cvejic) und rocken gemeinsam die Bühne. Die Anwesenden sind die Stars. Auf Kommando krümmen sie sich auf dem Tanzboden. Über ihnen läuft ein großes, deutsches Präzisionsuhrwerk, das sekundengenau die Zeit anzeigt. Auf jedem Stuhl: ein Briefumschlag mit fünf Ereigniskarten: „Minute 0:30:00: Geh langsam auf die Bühne, such dir einen Ort auf dem Tanzboden. Beuge die Knie, mach dich so klein wie möglich. Bleib in dieser Position, bis du still bis 100 gezählt hast“.

Alle gehorchen und horchen der Stimme von Kattrin Deufert, die kurz vor der Geburt ihres zweiten Sohns den Kontext gebiert. Sie liest von übellaunigen orthodoxen Juden in Jerusalem. Liest, dass in Dänemark die meisten Selbstmorde an Palmsonntag geschehen. Und dass „Ruth“ das einzige Buch der Bibel mit einer weiblichen Hauptfigur sei. Es geht um Religion. „Minute 0:53:00: Schreib mit dem Stück Kreide auf den Tanzboden die Antwort auf die Frage: Was wirst du zurücklassen?“.

„Meine Leiche“, antworten manchen im Ensemble. deufert&plischke schaffen einen Tanzraum, den die Beteiligten gestalten. Kein Corps de ballet repräsentiert die Menge. Die Tanzszene selbst übernimmt den Job. Sie gelobt ihren freiwilligen Dienst und macht mit. Nur ein verrückter Schamane, Thomas Plischke, der sich mit Kabelbindern kleine Glöckchen ans Shirt onduliert hat, gehorcht keinen Anweisungen, sondern bildet frei das Zentrum inmitten der Folgsamen, deren Kunstrespekt immer auch von der Angst begleitet ist, die Kunst zu stören. Er wirft sich den Versammelten wie ein junger Artaud entgegen, mit indisch anmutenden Hüpfern, versteckt hinter der Maske einer Schaufensterpuppe. Er spielt, wie in archaischen Gemeinden üblich, den Künstler als Sündenbock. Das Opfer uriniert in sein T-Shirt und wischt den Boden, um die mit Kreide aufgeschriebenen Wünsche und Ängste der Gemeinde aufzunehmen. Dann zieht er das schmutzige Shirt wieder an – als sei’s ein religiösen Akt in einer Zeit, die bekannt ist als die Zeit der Postmoderne.

In der Postmoderne, so sagt man, sind die alten Weltordnungen, auch die der Religion, überwunden. Noch herrscht der Frieden des Aufbruchs. Kein Durcheinander. Mehr ein Aufräumen. Die Könige des Kommunismus sind gestürzt. Neue Diktatoren noch nicht erwacht. Die bürgerliche Welt nennt sich demokratisch, auch wenn sie selbst nicht so organisiert ist, stattdessen alle Macht so dringend delegiert als sei sie eine heiße Kartoffel. Wie im Theater. Das Publikum delegiert alle Macht an die Tanzenden, die ihre Macht an die Regie oder Choreografie abgeben, die sich wiederum strikt an die Regeln einer Intendanz hält, die sich eng an die jeweilige Politik anschmiegt, die vor 25 Jahren lediglich noch nicht vorhat, in die Kultur ihrer Zeit einzugreifen, um über sie bestimmen zu können.

So geschehen durch das Brüsseler Kollektiv BDC (für Best Dance Company) um Thomas Plischke, Alice Chauchat, Hendrik Laevens und Martin Nachbar als ein zehntägiges, zehnmal 24 Stunden dauerndes Festival, bei dem Kattrin Deufert und Thomas Plischke ein Paar werden.

Zehn Tage ist viel Zeit, eine gute Zeit, um sich selbst, aber auch Theorie und Praxis in eine Liebesbeziehung zu verwickeln. Es gibt Workshops von Kattrin Deufert und Stefanie Wenner zum Thema „Illegale Erfahrung“. Der Bruder von Meg Stuart, Davis Freeman, Martin Nachbar und Lilia Mestre organisieren Workshops. Thomas Plischke: „Wir waren klug genug, bei so viel Talent um uns herum, alles zu delegieren. Die Filme kuratiert Yves Chauchat, die Konzerte Hendrik Laevens, die Performance-Programme habe ich gemacht, und auch dafür gesorgt, Lücken zu erzeugen, damit sich die Leute wirklich treffen.“

Ein anderes Theaterverständnis ist geboren. Ein Theater aus dem Geist des Clubs. Ein Club aus dem Geist des Theaters. Kopf küsst Körper. Die Dramaturgie verlässt den Hörsaal und entert die Tanzbühne. Der Tanzkörper verlässt den Spiegelsaal und betritt den Gedankengang. Thomas und Kattrin sind ein Paar, das einen ungewissen Weg antritt, aus Liebe zum anderen.

Und weil wir gerade bei der Liebe sind: Wen oder was lieben wir? Den anderen? Deren/dessen anderes Geschlecht? Lieben wir einfach einen Körper? Also uns selbst? Um das zu klären, braucht man Zeit. Kattrin Deufert und Thomas Plischke organisieren ein 72-stündiges Symposion, ein „Queerathon“ im Gent, gemeinsam mit Jeroen Peeters und Barbara Raes. Diesmal wird das Vooruit, das Kulturzentrum der Stadt, drei Tage lang zur Bettenburg, in der sie 2002 dem Begriff der „gender politics“ auf den Leib rücken. Was ist Queerness? Angenommen, queer ist die Fähigkeit, die Welt non-binär zu denken: Nicht nur „Mann oder Frau“ ist die Frage. Ebenso zu bezweifen wäre, ob es nur „Richtig oder Falsch“ gibt, „Gut oder Schlecht“? Was passiert, wenn das politische „Links oder Rechts“ keine Unterschiede mehr hergibt? Oder das hierarische „Oben oder Unten“ in kollektiver Aktion verschwindet? Wie passt das grassierende Lebensgefühl, „lebendig tot“ zu sein, zum kategorischen Unterschied zwischen „Lebendig oder Tot“?

Wie steht es mit „normal“ und „anormal“? Was im Theater ist normal? Wäre normal, wenn das Publikum behauptet: „Du tanzt und ich tue nichts“? Um nur darauf zu warten, dass ihnen nun irgend etwas passiert beim Zuschauen, während sie einen tanzenden Körper betrachten, der „ganz normal“ den Anforderungen entspricht, die man der Anatomie eines tanzenden Körpers eben unterstellt: schlank und biegsam zu sein?

2010, in „Anarchiv#2: second hand“, tanzen deufert&plischke ein Duo. Es folgt ein nahezu identisches zweites Duo der Choreografinnen DD Dorvilier und Cecilie Ullerup Schmidt. Dieses Duo wiederum fordert das Publikum auf, eine Kopie der Kopie mit dem eigenen Körper zu kopieren. „Was für ein herrlicher Spaß“, sagt Thomas Plischke, weil auf einmal klar war, dass es im Tanz keine Kopie geben kann, nur echte Körper, nur echte Eigenwilligkeit: „Zu viert haben wir Schuhplattler getanzt, und klar: Wenn dann 60, 70 Leute mit ihrem Schuhplattler antworten, ist das nicht dasselbe … sondern sehr, sehr viel besser!“

Es ist die Resonanz durch ein Publikum, die wesentlich für ein Ereignis sorgt. Will heißen: Das Publikum ist der Urheber. Sie sind die Voraussetzung für ein Ereignis.

„Das Fest ist ganz typisch für den Tanz. Das hat nichts mit Mitmachttheater zu tun, es hat überhaupt nichts mit Theater zu tun. Wenn es nur für den Moment eines Fests gelingt, dass die Leute vergessen, wo und wer sie gerade sind, dann hat der Tanz alle auf Augenhöhe erreicht. Das ist die Funktion des Tanzes. Theater dagegen braucht und erzeugt eine Distanz. Im Theater ist auch der Tanz gezwungen, diese Distanz zu wahren. Aber die Wand zwischen Publikum und Kunst ist nicht in Beton gegossen. Als Ereignis eines Festes zählen eben gerade die Momente, in denen das Publikum das Geschehen komplett übernimmt“, sagen deufert&plischke.

In einem leerstehenden Freibad entsteht 2024 mit Einheimischen und Kunstschaffenden die Performance „Fountains“. Der Körper wird betrachtet als ein Brunnen voller Flüssigkeit. Die Feuchtigkeit eines hilflosen, trotzigen, sich schämenden, begehrenden Körpers. Das berührt, wie Kunst eben berührt, sobald sie Tabus anfasst, Sehnsüchte freilegt, Ängste anspricht und ganz und gar unkontrollierbare Reaktionen auslöst: Weinen, Lachen, Ekel. Tränen, Schmerzen, Emotionalität.

Das passiert, wenn man etwas mit Haut und Haaren schafft, in einem Prozess, in dem man „sich extrem miteinander ausgetauscht und sich stark konfrontiert“, weil man eben nicht für andere tanzt, sondern mit anderen und durch andere tanzt, auf die man reagiert, mit denen man sich streitet, von denen man beleidigt wird und sich immer wieder durch einen langen Tunnel der Missverständnisse gräbt. „Erst ganz am Ende entsteht etwas Exzessives, Ekstatisches, mit Freudentränen und Tränen der Erschöpfung, wie bei einer Ernte, wenn man das Heu einfährt und dann eben auch feiern darf.“

Wer 25 Jahre lang so arbeitet, hat nicht nur 25 Jahre gefeiert, sondern 25 Jahre lang vor allem  Konfrontationen und Abschiede erlebt. Von Sub-Sahara bis nach Nordfinnland sind sie mit ihren Gästen gemeinsam durch Situationen gegangen, die man so schnell nicht vergisst. Am nächsten Morgen sagt man trotzdem: „Tschüss, wir sehen uns bestimmt wieder, auf ein nächstes Projekt.“ Das aber nie stattfinden wird, weil das Wort „Nachhaltigkeit“ in der Tanzwelt zwar existiert, aber die nötige Kontinuität nicht, „da eine Projektförderung offenbar immer genau dann endet, wenn es spannend wird. Also haben wir begonnen, den Menschen, die wir verlassen mussten, einen visuellen Brief, eine künstlerische Videodokumentation zurückzuspielen.“